絵画上達法

水彩画の道具 マスキングインクって何?

水彩画を習い始めたあなたに。

濃い背景に白色を塗りたい時、あなたならどうする?
もちろん不透明の白色絵具を塗れば簡単だ。だが透明水彩の魅力は後ろの色が透けて重なる美しさを追求することにある。
不透明な白絵具を塗るのは本来邪道。紙の白を残して塗るのが基本だ。

だから空に浮かぶ白い雲を描きたければ雲は紙の白を残して空だけを青に塗ればいい。
問題は次のパターンだ。空を飛ぶ一羽の白いかもめを描きたかったらどうするか?

この場合はかもめの白を塗り残さなければならない。しかし細いアウトラインのかもめをシャープに空色で塗り残すには、紙を乾燥させておく必要がある。しかしそうすると必然的に空に筆跡が残りやすくなり、塗りムラが出てしまう。

こんな時に利用するのがマスキングインクだ。

これはゴム状の液体で白く残す(または後から別な色を塗る)部分に先に塗っておくと、乾燥後は後から塗った水彩絵具をはじいてくれる。だからまずカモメの形にマスキングインクを塗り、空の部分にたっぷり水を浸み込ませてからムラのないように青を塗る。この時カモメ部分も一緒に塗ってしまうのがコツだ。

塗り終わった後、カモメ部分のマスキングインクをはがせば、下地の白がマスキングインクを塗った形状通り、シャープに残る。このまま白として残すもよし、もちろん別の色を塗って仕上げることも出来る。

私は草むらに光る茎や花びら、暗い森林の中で明るく反射する木の葉、水面の波頭などに使うことが多い。

このテクニックを使えば初心者も完璧…と言いたいが、意外に製品の選び方と使い方が難しく、私もいままで何度か失敗している。初心者、いや中級者に

マスキングインクを使いこなすコツをお伝えしよう。

先に言っておくと私の目で見て今現在まだ完全に満足した製品はない。いずれも帯に短したすきに長しの状態だ。それでも少なくともしてはいけないことだけはお伝えできると思う。

インクの形式はいくつかある。
まずインクケースの蓋を開け、筆にインクを付けて塗るタイプ。長所は細筆を使えば、細い線、しなやかな線が引けるので、ある程度インクで絵が描ける。欠点はインクケースが密閉されないのですぐに硬くなり、2度目以降は筆を使っても細くはならない。3度目以降は単なるゴム粒を置くという状態で、もはや絵を描く道具とは言えなかった。

次に細い金属性または樹脂製のノズルの先からインクを出し直接塗るもの。長所はインクケースの蓋を開ける必要が無いので、インクの硬化を防ぐことが出来ること。短所はノズルの先端が硬質なので、しなりが無くやわらかい線は引きにくい。また長時間使い続けると、空気に触れる先端がどうしても詰まりやすくなる。無理に押し出すと一気に塊が落ちることもあり、なかなか扱いにくい。

最後にボールペンペンタイプ。0.7mmのごく細タイプが発売されたと聞いて、早速注文した。形状はまさにボールペン。しかし通常に描いただけではインクの出が悪い。ボールペンの本体に圧力をかけると、一気に出て太くなる。もう少し使い込めば思うような線が引ける可能性はある。その時はまた報告したい。

次は塗った後の注意事項。


インクを塗った後すぐに水彩絵具を塗ると、水分に溶けてマスキング部分が流れ出すことがある。絵具を塗るのはマスキングが乾いてからにすること。もっともわざとインクと水を混ぜて使う人もいるようだ。


インクを塗った後すぐに水彩絵具を塗ると、水分に溶けてマスキング部分が流れ出すことがある。絵具を塗るのはマスキングが乾いてからにすること。もっともわざとインクと水を混ぜて使う人もいるようだ。

私が経験した最大の失敗はマスキングして、上に色を塗り、そのまま1ヶ月ほどほっておいたことだ。気がつくとマスキングインクの脂分が黄色く変色し、水彩紙に染み出していた。マスキングをはがしても黄色いしみはどんなに洗っても絶対に取れない。メーカーによっては塗ってから何日以内にはがしてくださいと明記してあるはずだ。早めにはがすほうがいいだろう。

インクをはがすときは、紙が完全に乾いてからはがすこと。早く仕上げようと、紙がまだ水で湿っているときにインクをはがすと、紙の表面がインクの強さに負けて破れてしまう。こうなると処置は難しい。
避けた部分に色が浸み込み破れた形がはっきり見えてしまうのだ。さらにはがれた部分は他と同じ発色にもにじみ具合にもならない。つまり完全に絵描きのテクニックが使えない状態になってしまうのだ。

マスキングインクの材質と紙の材質はメーカーにより千差万別なので、組み合わせによっては、上記のような失敗は最低限で抑えられるかもしれない。だが、せっかくの作品が最後に消えるはずのマスキングインクで台無しになっては泣くになけない。

ご注意を!

「絵画」と「サイズ」のエピソード

 水彩画の魅力を伝える・・・このブログの使命のひとつだ。絵は初心者ですというあなたに今日は「絵のサイズ」と「モチーフ」についてお伝えしよう。
 まずお聞きしたい。

あなたは今何の絵をどんなサイズのスケッチブックに描こうとしているだろうか?

スケッチブックのサイズ
奥からF8、F6、F4、SM(サムホール)、F0

 描くのは風景画で、習いに行っているカルチャーセンターで教えられたサイズを使っている?それはひょっとしてF8サイズ?またはF6サイズ?
 あるいは持ち運びやすいハンドバックにも入るSM(サムホール)サイズ?
漫然と人に勧められたサイズで絵を描いていると、後で後悔することになる。実は絵にはそれぞれのサイズに適する目的と、場所と、対象がある。

例えばまず、明日あなたが朝から日帰りのスケッチ旅に出かけたとしよう。

 当然電車乗って移動する。抱えているのは勧められたF8のスケッチブックが入った画家用の鞄だ。座席も確保し、さて車窓を眺めながらの楽しいスケッチ旅行に思いを馳せる・・・はずが、気がつくと隣の人から非難の目線。
 当然だ。実はF8サイズのスケッチブックは幅が45cmくらいあり収納ケースは50cmくらいになる。電車やバスの座席幅は40cmくらい。つまりそれをひざに載せて座席に座ると、隣席にはみ出すことになる。そう、F8は周りの人にとても迷惑なのだ。ゆえに私はF6のスケッチブックを持っていく。これなら何とか隣の人と仲良くやれるサイズだ。
 そして電車に揺られること2時間。やっと目的地に到着。ここは日本の伝統的な民家が残る町並みだ。いい景色を求めてさっそく歩き回るとしよう。

あった! F6にちょうどいい構図だ。

F6のスケッチブックに描いた町並み

 さっそく描き始める。 ずらりと並ぶ民家。美しい町並みと背景の山並みがきっちりと画面に納まる。 約1時間経過。まだ下書きも終わっていないけどそろそろ昼時だ。人によってはここで中断。昼食後また書き始める。そしてまた約1時間が経過。
 早い人はそろそろ完成だろうが、まだ終わらない人もいる。帰りの電車まであと2時間たらず。さてどうする。F6をもう一枚描ける人はたぶん少ないだろう。でもせっかく一日をつぶしたのに成果が一枚では寂しすぎる。

そこでSM(サムホール)の登場だ。

SMのスケッチブックに描いた町並み

 この大きさは面積にしてF6の約1/4。2時間足らずでも十分描ける。しかも2、3軒の民家なら町並みとして描き込める最小限の大きさなのだ。私がこのSMのスケッチブックを愛用する所以だ。
さて最初のスケッチにたっぷり時間をかけた人には残り時間は1時間しかないはずだ。

ここで登場するのが0号のスケッチブックだ。

F0サイズのスケッチブックに描いた民家

 サイズは葉書よりも一回り大きいだけなので、描くのにさほど時間は要しない。一時間あれば十分だ。ただし、このサイズでは「町並み」は描けない。一軒の民家とその周りの雰囲気だけだ。それでも2枚目が描けるという事実は大切にすべきだ。こんなときのために私はこの0号のサイズも持っていくようにしている。
 その他に旅行携帯用の葉書サイズのスケッチブックもある。紙質はまったく変わらないプロの絵描き用だ。さすがに小さすぎて作品にはなりがたいが、旅先からのプレゼントには最適だろう。
 実は学生のころ、この葉書に旅先で水彩画を描き、その地から投函、当時好意を寄せていた女性に送ったことがある。私の絵の出来が悪かったからなのか、もともとそんな芽が無かったのか、結果的に、葉書サイズスケッチブックに神通力は無かったことを報告しておこう。

さて別な日。あなたは人物画の絵画教室に行ったとしよう。

いつものF6サイズを持っていく。スタイルのよいモデルさんで衣装は半そでのブラウスと短パン。この日は立ちポーズだ。さて構図を考える。

F6サイズ 人物の立ちポーズで全身を入れる

モデルさんのスタイルがいいので全身を入れたい!・・・と思った人。F6サイズは縦が約40cmなので余白を取ると、顔のサイズはご覧のように必然的に4cmくらいになってしまう。人物画は基本的に表情が決めて。この大きさでは残念ながら「いい表情」は描き難い。つまり

全身を描きたいならF8以上を持ってくるべきだった

 カルチャーセンターで教えられる「F8以上がいいね」はまさに、この時のことだったのだ。

F6サイズの場合は上半身だけの構図が良いだろう。

F6サイズ 人物の半身を入れる

 顔の大きさも大きくなり、女性の表情もきちんと表現できる大きさだ。脚は当然画面に入らないが、必ず手は全部納めよう。手の無い上半身は服だけのつまらない肖像画になってしまう。一方で

人物画の練習のために顔だけを描きたいという人もいるだろう。

 こんな人はF4、F3くらいでも、人の表情の魅力を伝えることは十分可能だ。私は時間のないときはF4で顔だけを描くことがままある。顔だけと言うのは中途半端に上半身を入れるより対象が表情にフォーカスされるので絵としてそれなりに描く価値があるのだ。このサイズのときのポイントはやはり目だ。まつげまで描きこめる。こちらもチャレンジしてみてほしい。

F4サイズ 人物の顔をメインに描く

「絵画」と「サイズ」についてだけでも絵描きなりの苦労はあるのだ。

スケッチ旅行に必要な道具とは

旅先で美しい風景をスケッチする。

 最高の時間の過ごし方だ。だが実は持っていく道具を間違えると、せっかくの気分が台無しになることもある。今回は水彩画で風景画を描いて見たいという方のために、私のお薦めの画材をお伝えしよう。

まずはスケッチブックから。

 リング綴じのものとブロックタイプのものがあるが、短時間で何枚も描く屋外スケッチにはリング綴じの方がいい。
 通常、水彩画教室などでは大きいスケッチブックを指導されると思うが、私は初心者には小さめのサムホールや0号をお薦めする。私自身の経験で言えば大切なのは

小さい画面サイズで気楽に何枚も描くことだ。

 結果として練習を重ねることにもなり、上達も早かったと思っている。ただし将来個展を開いてみたいと考えている人はもう少し大きい6号ぐらいのスケッチブックも欲しい。小さい絵ばかりだと展示壁面に緊張感が生まれないからだ。
 私の場合は、6号、サムホール、0号を一式持って行き、現地の風景に合わせて適切なサイズを選択するようにしている。まずはこれと思った風景をたくさん描くことだ。

次に紙の種類。

 是非プロ用の300g/㎡の厚手の水彩紙を選んでほしい。発色、にじみ方、表面の強さ、使ってみればその差は歴然だ。安物のスケッチブックは何度も色を重ねると毛羽立って、筆の線がにじみ過ぎたり、色が黒ずんだりして思うような表現ができなくなってしまう。
 私はラングトーン、ワトソン、モンバルキャンソンなどを使っている。材質がコットンかパルプかその混合かによっても値段が変わるがこのレベルの紙ならば、懐具合に応じて買えばいいと思う。(アルシュシ紙が最高級だが相当高価!)

そして筆だ。

 やはりピンからキリまであるが、サムホール程度の大きさの絵ならば6号コリンスキーまたはセーブル(いずれもその毛が取れる動物の名前)の丸筆がいい。普通の文房具店で売っている化学繊維の筆とは柔らかさ、弾力性、水分の含み具合、毛先の揃い具合など雲泥の差だ。たとえ初心者であっても、「弘法は筆を選ぶ」というプロの格言は正しいのだ。
 また色の濃い部分をエッジをきかせて塗ったり、均質に広い部分を塗るために平筆も必要だ。大きさは4号の小さめと8号の大きめの2種類準備するといいだろう。さらに私の場合は細かい部分を描くための0号、やはりコリンスキーの丸筆も愛用している。

最後に絵の具。

 昔はとにかく携帯に便利ということで、手のひらサイズの12色の固形絵の具と筆セットを持って行ったこともあるが、さすがに色が少なすぎる。赤、青、緑それぞれが原色ばかりなので思うような色を出すには初心者には難しい。
 私のお薦めはウインザーニュートンの20色固形絵の具セット。広めのパレットもいっしょになっているのでとても使いやすい。大抵の画材店に単色のピースが売っているので、好みで色を足したり、なくなった色を補充するのも容易だ。

画材さえ揃えばもう安心・・・というわけではない。

 いかに写生が好きでも現地で長時間立ちっぱなしで描くのは辛い。折り畳み椅子(百円均一の店で売っている)も必携だ。
 夏の陽射しを受けた風景。「ここだ!」と画帳を広げた場所が日陰とは限らない。つばの広い帽子を被っていこう。
 紅葉を描こうと思っても、寒い日は指がかじかんで絵どころではない。私はやはり百円均一の店で買った手袋の指先をハサミでカットしたスケッチ専用手袋を持っていく。

最後に時間の使い方のアドバイス。

 私はスケッチに行くときはいつも時間がもったいないので、昼食はとらない。だから描きながら、ちょっと空腹をしのぐクッキーやチョコを持っていく。
 でも時間の使い方はひとそれぞれ。創作意欲より食欲を満たす方が大切という人もいるに違いない。ストレスをためては何のために来たのかわからない。

大切なのは描き始めること。さあ、出かけよう。

イラストのコツ教えます

 私の作品は水彩画が中心だ。しかし実は

最初の個展の時、ペン描きイラストを展示した。

 その中で意外に人気があったのが、ホテル客室の平面を描いたもの。そのうちの一枚、東京ニューオータニ・インのエグゼクティブシングルルームの平面図だ。我ながら細かいとこまでよく書いたものだ。

 実はこのイラスト、ゼロから私が考えたのではない。妹尾河童が「河童が覗いたヨーロッパ」で旅先のホテルをスケッチしていたのを見て、真似をしてみたのだ。当時は結構出張があったので、題材に不自由することはなかった。
 河童さんは本の中で

「僕はプロだから入口に立っただけで部屋のイラストがすらすらと描けるんだ」

と記していたと思う。
一応一級建築士を持っているそれなりにプロの私が思うには、

「それは嘘だ」

と疑っている。何故なら入口から見た透視図は確かにすぐ描けると思うが、部屋の平面図は縦横の寸法、家具との位置、大きさの関係が正確にわからないと描けないはずなのだ。彼の描いた平面イラストは寸法関係がかなり正確で破綻がない。著作権があるのでここにその絵を載せられないが、興味のある人は是非見てほしい。

 それではどうやってこんなイラストを描くのだろう。

一番確かな方法は、片っ端から物のサイズを測り計算しやすい100分の1スケールでノートに書いていくことだ。シングルなら例えば奥行きは6cm、幅は3cm、ツインなら幅は4cm、奥行き8cmと書いていく。椅子は4mm×4mm、デスクの奥行きは4.5mm、シングルベッドは1cm×2cm、ダブルベッドは⒈4cm×2cmなどなど。
 でも私のイラスト見ていただければわかるだろうが、通常のA4サイズのクロッキー帳では1/100サイズでは小さすぎて細かな情報が書き込めない。そして小さな家具や備品までいちいち測っていては、夜が明けてしまう。
ではどうするか。

 特別に私の方法を教えよう。

 まず部屋の入口から窓まで、部屋の奥行き寸法をスケールで正確にはかる。次の窓のある壁の幅を図る。これで部屋の全体の大きさは決定だ。通常シングルルームなら奥行きは6メートル以内、幅は3メートル以内だろう。私のクロッキー帳はA4サイズなので1/30スケールで描くとちょうどよい。つまり部屋の幅は大体10cm、奥行きは奥行きは20cm以内に収まるはず。まずは部屋の全体の姿をクロッキー帳に書きこんでしまうのだ。めんどくさそうに思えるが1cmが30cmと考えればほぼ想像がつくだろう。 

 大切なことはこれ以上細かな寸法を測らないこと。

 次は描こうとするポイントが全体の何分の一に当たるのかを目分量で決め、割り付けていくのだ。例えばベッド幅は部屋の2/3くらいでデスクの長さはさらにその半分とか。
 もっとも建築家としての訓練を積むとインテリアの常識的な寸法は大体頭に入っている。例えば浴槽の長さは1.5mつまり画帳では5cmになることが直感的にわかってしまうのだ。残念なながらここは素人より私たちプロの方がはるかに早く描ける。そして最後に洗面台等に対して適切な大きさの備品類を描きこめば完成だ。
 今改めてこのイラストをよく見ると、TVに「TVゲームがついていた」なんていうコメントが書き込んである。自分のコメントほどある意味正確な情報は無い。是非私のやり方を試してほしい。

 ものを見るときに自分の感じたものをシンプルに表現する。

 実はこれがイラストのコツなのだと思っている。

鉛筆デッサンが教えてくれるもの

 私は大学に入学すると、すぐ美術部に入り油絵を描き始めた。油絵を描けない奴なんてアーティストではない・・・そんな雰囲気があったからだ。そして水彩画にはないカラフルで重厚な油絵独自の表現に魅了されてしまう。展示会に備えて夜遅くまでキャンバスに向かう毎日だった。
 そしてあっという間に一年がたち、二回生になった。私が入学した工学部建築学科は二回生になると「造形演習」という講義がある。

その最初の講義が石膏デッサンだった。

 既にさんざん油絵を描いていた私は、 油絵の技法への興味はかなりマニアックなレベルに達していて、「バルビゾン派の画家コローの色使いは・・・」などと仲間内で講釈を垂れていた。
 いまさら木炭や鉛筆でのデッサンなんて・・・とあまり乗り気でなかった。でも単位を取るためには仕方がない。黙々と石膏のヴィーナス像に取り組んだ。しかし 実は

石膏デッサンは自分の手でやってみると意外に面白いのだ。

 パン屑で木炭をはたき、こする。あるいは濃い鉛筆と薄い鉛筆を使い分け、明暗を描き込んでいく。黒一色でヴィーナスの表情を描き分けることが可能なのだという、言わば「美術の定理」が徐々に理解できるようになるのだ。
 言ってみれば中学生のころ初めてピタゴラスの定理を理解したような一種の驚きと喜びを感じたのだ。基本的だが奥は深い。そして多分その定理の究極を目指すのが墨絵の世界なのだろうと今は理解している。

 さてその後の私。今は油絵でなくもっぱら水彩画を描いている。水彩画の透明感あふれる美しい表現に魅了されていると言っていいだろう。しかし学生の時のように、鉛筆だけで表現するデッサンを避けているかというとさにあらず。

実は私の水彩画の下絵は鉛筆デッサンそのものなのだ。

 上の鉛筆による女性像は練習としての鉛筆デッサンではない。私の水彩画の通常の制作過程なのだ。少しだけ説明しよう。
 世の多くの「水彩画教本(人物編)」を開くと、鉛筆の線はあくまで縁取りとして、軽くあたりを取るのに使うと書いてある。そして教本の主体は水彩絵具による肌色の出し方と明暗の色変化を教えることだ。
 それに対して、私は対象の立体表現と明暗を鉛筆デッサンの世界で完結させる。そしてその上に肌色、髪の色、服の色等の透明な固有色を重ねていくのだ。完全なフルカラーの作品だが実は下地全面にほとんど鉛筆の線が施されている。とても時間のかかる技法なのだ。

 でも逆に画面全体の落ち着いた色調はこの技法によって創り出されており、それが私の水彩画の特徴でもある。
 思えば、今の私のこの水彩作法は大学時代、鉛筆デッサンの可能性に心惹かれたあの講義がきっかけだったのかもしれない。
 実はあの造形演習の先生(確か新制作協会に所属していた)の一言が今でも印象に残っている。「美術の定理」に納得した私と仕上げたデッサンの出来映えを少しは評価してくれたのだろう。彼は私にこう尋ねた

「君はどこかで絵を習っていたのかね?」私はこう答えた。
「正式に習ったことはありません」すると彼は言った。

「絵に正式という言葉は無いのだ」

 なんてかっこいい!その時の彼の言葉が妙に腑に落ちた。芸大に行っていない私が、今でも堂々と絵を描き続けているのは彼の言葉が精神的な原動力なっているのだと思う。
だからこそ、私はいまでも鉛筆デッサンにこだわるのだ。